Cet article est un complément d’information sur l’utilisation du contraste en design graphique.
Pour créer des tensions visuelles dans une composition et pour favoriser la lecture du message à transmettre, le designer graphique utilise plusieurs types de contraste. Concernant la composition des textes, de nombreux contrastes peuvent être mis en œuvre. Ils s’appliquent généralement à la différentiation entre les titres (lecture de repérage – textes courts) et les paragraphes (lecture suivie – textes longs). Certains contrastes typographiques s’apliquent à tous les types de textes à différentier clairement.
Tableau extrait de “Aide au choix de la typographie”, de Gérard BLANCHARD, publié aux ateliers Perrousseaux.
Les contrastes d’écriture ont été utilisés très tôt dans l’histoire de l’écriture, pour distinguer le début des chapitres (lettrine ou incipit) et le texte lui même. Cette distinction par un changement d’écriture s’est étendue à l’inscription des titres.
Les contrastes d’écriture sont une forme particulière des contrastes de forme et de structure.
romain (humanistique) / italique (chancelière)
romain (humanistique) / anglaise (cooperplate)
onciale (celtique) / romain (humanistique)
onciale (celtique) / italique (chancelière)
autres contrastes d’écriture
Les contrastes de famille typographique
Les contrastes de famille typographique sont une forme particulière des contrastes de forme ou de structure et une généralisation des contrastes d’écriture.
serif (sérieuses) / sans serif (neutres)
display (expressives) / sans serif (neutres)
handwriting (scriptes et cursives manuscrites – amicales) / sans serif (neutres)
handwriting (scriptes et cursives manuscrites – amicales) / serif (sérieuses)
lettres toscanes (tuscan letters) / lettres
autres contrastes de familles de polices
Les contrastes de forme ou de structure
Les contrastes de forme ou de structure précisent les différences identifiables entre plusieurs types d’écritures ou de lettrages.
Notez que le terme “lettre contrastée” désigne un type de lettres présentant une différence de graisse entre ses parties (https://fonts.google.com/knowledge/glossary/contrast). On parle de pleins et de déliés pour les lettres calligraphiques.
contrasté (différence entre pleins et déliés) / uniforme (traits de lettre de même épaisseur)
haut de casse (capitales ou majuscules) / bas de casse (minuscules)
avec empattements rectangulaires / sans empattement
avec empattements filiformes / sans empattement
avec empattements triangulaires / sans empattement
avec empattements fourchus / sans empattement
scripte (détaché) / cursive (attaché)
droit (vertical) / incliné (penché)
élargi (étendu) / étroitisé (condensé)
grand ou très grand / petit ou très petit
gras / maigre
rectiligne / curviligne
rectangulaire / circulaire
géométrique / organique
avec bordure ou contour / sans bordure ou contour
avec motif ou texture / sans motif ou texture
avec relief / sans relief
autres contrastes de forme ou de structure
Les contrastes de couleur
Les contrastes de couleur concernent la couleur des textes et la couleur du fond sur lequel le texte est présenté.
Notez que l’expression “couleur typographique” ou “gris typographique” désigne l’intensité du gris produit par le mélange optique du texte sur la couleur du papier.
Les contrastes de composition typographique concernent des moyens déployés pour différencier deux textes par leur positionnement dans la page. Il n’est plus question de formes ou de dessin des lettres, mais plutôt de mise en page des lettres, des mots, les lignes, des colonnes et des textes.
ligne de texte horizontale / ligne de texte verticale
ligne de texte horizontale / ligne de texte inclinée
Lors de cette activité pratique (niveau 3 de la formation Com-Créa), vous allez réaliser une mascotte simplifiée en lien avec l’identité visuelle d’une entreprise. Vous effectuerez des recherches sur le sujet, guidés par les consignes données et les ressources mises à votre disposition sur Netboard et sur Pinterest.
Prérequis : avoir suivi les niveaux 2 des formations Com-Créa et PAO-Tech.
Suivre un processus de design
La création d’une mascotte suit le même processus que la création d’un logo (voir niveau 2). Les étapes du processus sont celles du design graphique en général :
Brief et rédaction du cahier des charges
Documentation marketing et sectorielle
Planche de tendances
Arbre thématique
Planche de stylisation (formes, proportions, couleurs, traitement graphique)
Recherches graphiques (premières esquisses)
Vectorisation et prototypage
Tests et affinage
Propositions au client
Finalisation et charte d’utilisation
Utilisation et retours sur l’utilisation
Débriefing avec l’équipe de design et le client
Schématiser la succession des étapes de création
Processus de design adapté au design de mascotte
Il s’agit dans un premier temps de s’immerger dans le projet, les besoins du client et des utilisateurs, les tendances du moment dans le domaine concerné (étape formalisée par le brief, la documentation au sens large, la rédaction du cahier des charges et la planche de tendances).
Dans un second temps, il s’agit de définir le ou les axes de création sur lesquels vont se baser les recherches graphiques (arbre thématique, planche de style, premières esquisses)
Dans un troisième temps, il s’agit de réaliser vectoriellement la ou les propositions au client, en prenant soin de les tester et de les affiner si nécessaire au préalable.
Enfin, la dernière série d’étapes concerne la finalisation de la mascotte en la déclinant pour les différents usages envisagés et en concevant sa charte d’utilisation (charte graphique).
Visionner un processus complet
Vous pouvez visionner un processus complet de création de mascotte sur behance.net, depuis les croquis préparatoires jusqu’aux intégrations en vidéo et sur salons promotionnels.
➜ Sans aller jusqu’à ce niveau de professionnalisme, vous êtes invités, au cours du niveau 3 de la formation Com-Créa, à réaliser une mascotte simple en suivant la démarche indiquée. Vous pouvez vous baser sur les projets de logo menés au niveau 2 de la formation ou entreprendre une création pour répondre aux besoins d’une marque que vous connaissez.
Incarner les caractéristiques d’une entreprise
La mascotte incarne des valeurs de l’entreprise, elle donne corps à tel ou tel aspect de la vie de l’entreprise (sa production, ses services, son point fort, sa raison d’être, etc.).
Inventorier toutes les possibilités
Voici une liste de quelques éléments d’une entreprise “incarnables” par une mascotte :
Le nom de l’entreprise (ex : Miss Queen > mascotte reine)
Un produit créé par l’entreprise (ex : fruit > mascotte fruit)
Un ingrédient d’un produit (ex : chips aux crevettes > mascotte crevette )
Le bâtiment de l’entreprise (ex : tour Eiffel > mascotte tour Eiffel)
Les utilisateurs du service de l’entreprise (ex : le stade G. Guichard > mascotte footballeur)
Les bénéficiaires des services de l’entreprise (ex : société de protection des ours blancs > mascotte ours blanc)
Mascotte citron (produit) et mascotte diagnostique (service)
Utiliser la symbolique animalière
Selon les cultures, les animaux sont dotés de traits de caractère qui leur permettent d’incarner des valeurs, des conduites à tenir. Dans la culture occidentale, je vous propose quelques repères.
Identifier les traits de caractères animaliers
Les nourriciers : vaches, pélicans
Les protecteurs : lions, tigres
Les voyageurs : hirondelles, oies
Les royaux : aigles, lions, cerfs
Les laborieux : abeilles, fourmis
Les donateurs : cigognes, geais
Les bâtisseurs : castors, hirondelles
Les résistants au froid : ours polaires, manchots, pingoins
Les bavards : peroquet, maynate
Les sorciers et magiciens : hiboux, chouettes, corbeaux, chats noirs, araignées, chauve-souris
Les colériques : rhinocéros, bouledogues
Les économes : écureuils, fourmis
Les gourmands : ours, fourmilier (tamanoir)
Les voraces : cochons, sangliers
Les météorologues : grenouilles, hirondelles
Les malins : renards, singes
Les méchants : loups, araignées, chauves-souris, guêpes, crocodiles
Le choix du style graphique d’une mascotte est guidé par les recherches effectuées sur les tendances et les codes du secteur concerné. Les mascottes ci-dessus (guêpe et taureau) sont adaptées à l’identité visuelles de clubs sportifs. Un puissant contour, un relief contrasté mis en valeur par le trait, un traitement vectoriel franc et une expressivité agressive correspondent aux attendus des clubs et de leurs supporters.
Choisir un niveau de complexité et un mode de rendu
Le style graphique d’une mascotte repose sur le mode de rendu graphique et sur le niveau de complexité du dessin.
Le tableau ci-dessous différencie trente styles graphiques combinant niveaux de complexité et modes de rendu.
Il est plus facile de créer une mascotte dans les styles des trois premières colonnes du tableau. Le choix du style “cartoon modulaire” (3e colonne) permet assez facilement la réalisation d’animations détaillées.
Animer ou ne pas animer la mascotte
En tenant compte de votre niveau de technicité, tant en dessin qu’en PAO, choisissez un style graphique que vous pourrez exploiter sans difficulté dans la suite du projet.
En effet, il importe de prendre en compte l’éventuelle animation de la mascotte et le nombre de dessins à réaliser pour cela.
Sur les animations ci-dessus, notez les exagérations des mouvements (anticipation et inertie des gestes les plus simples). Renseignez vous sur les 12 principes de l’animation si vous envisagez de réaliser de telles images.
Attention : l’expression “animer une mascotte” renvoie très souvent au fait d’utiliser un acteur costumé pour incarner la mascotte (lors d’un événement en lien avec la marque promue par la mascotte).
Choisir l’angle de vue et la pose de la mascotte
Pour rendre la mascotte plus vivante aux yeux des utilisateurs de la marque, il est souhaitable de pouvoir la représenter sous plusieurs angles de vue.
Dessiner des “model sheets” et des “turnarounds”
Les créateurs de mascottes les représentent ainsi dans des planches nommées en anglais model sheets ou turnarounds.
Il est évidemment plus facile de proposer des poses et des angles de vue différents dans les styles graphiques les plus simples.
Utiliser des poses dynamiques
Les poses des planches précédentes sont souvent statiques. Pour élargir l’expressivité de la mascotte, il est recommandé de la présenter dans des poses dynamiques.
Étudiez le travail des designers de personnage (character designers) pour diversifier vos dessins.
➜ Effectuez des recherches avec les mots clés characters poses ou chibi action. Collectez des exemples et donnez à vos personnages le mouvement des modèles retenus.
Pour gagner du temps ou suppléer à des compétences de dessin insuffisantes, vous pouvez personnaliser des gabarits vectoriels proposés en ligne sur diverses plateformes.
Mascotte créée en personnalisant une des poses de la planche précédente
Charter le design de la mascotte
Une fois les tests d’utilisation effectués et les correctifs apportés au design du personnage, il convient de consigner les points clés du dessin de la mascotte dans une planche de synthèse ou une charte graphique plus complète.
Préciser les formes, les proportions et les couleurs
Pour faciliter l’utilisation ultérieure de la mascotte, il est intéressant de mettre au point des versions modulaires du personnage. Plusieurs poses sont réalisables en assemblant différentes parties du personnage.
Intégrer la mascotte dans les produits de communication
Associer un univers à la mascotte
Une mascotte est comme un héros de bande dessinée ou un personnage de dessin animé. Elle évolue dans un univers personnel. Elle est porteuse d’une histoire et peut être accompagnée d’un(e) ou plusieurs ami(e)s ou partenaires.
Faire interagir les produits et la (les) mascotte(s)
Dans les exemples présentés ici, les petites mascottes utilisent le produit et le produit les montre en train d’évoluer dans l’univers associé à la marque. Photos et dessins sont combinés pour mêler réel et imaginaire.
Sur les sites mentionnés sur y-goguely.netboard.me, vous pouvez voir des mascottes imprimés sur des badges, des magnets, des coques de téléphone, des supports de PLV (Publicité sur Lieu de Vente), etc.
Animées à des degrés divers, elles sont aussi présentées sur les réseaux sociaux et sur les sites web de la marque.
➜ Mettez vos mascottes en situation et anticipez les besoins en communication de votre client.
Dans ce cours, vous allez apprendre à présenter professionnellement vos propositions graphiques. Il s’agit du développement de la phase finale du travail de création. Les indications données dans ce cours s’appliquent en premier lieu à la création d’un logo mais aussi de tout produit de communication (affiche, flyer, site Web, etc.).
Ce cours vise l’acquisition de compétences professionnelles avancées.
Le premier chapitre en dit assez pour les débutant-e-s. Celles ou ceux qui souhaitent aller plus loin tireront profit des données partagées dans la suite du cours. De nombreux liens sont proposés pour approfondir les sujet.
Présenter visuellement et oralement ses travaux
La présentation des propositions d’un designer graphique au(x) commanditaire(s) est le résultat d’une véritable démarche de communication visuelle. Le produit de communication le plus utilisé est une présentation visuelle, la plupart du temps commentée oralement.
Comme tout produit de communication, un diaporama doit être envisagé comme le fruit d’une interaction entre 4 éléments indissociables :
La production de contenus (rédaction, illustration, commentaires)
Le contexte de communication (les modalités de lecture)
Le style de présentation des contenus (couleurs, typos, formes, séparateurs, motifs, textures, visuels)
La structuration des contenus (plan rédactionnel, découpage, hiérarchisation, ordonnancement sur une grille)
Cela se traduit par la nécessité d’accorder contenus, styles et structure au public visé, dans le contexte de lecture du message à transmettre.
Concrètement, il s’agit de :
regrouper les visuels les plus significatifs de l’ensemble du travail réalisé
choisir un plan de présentation (chronologique, méthodologique, SPRI, etc.)
mettre au point ou collecter un gabarit de diaporama adapté à l’outil de présentation envisagé
rédiger les textes et les commentaires prévus pour accompagner les visuels
Les décideur-euse(s) à qui sont présentées les propositions graphiques doivent être informé-e(s) le plus clairement possible sur les critères pris en compte pour parvenir aux solutions présentées. Il s’agit donc de veiller à mettre en œuvre les opérations suivantes :
expliquer la démarche suivie, centrée sur les besoins de l’utilisateur-trice final
immerger les participant-e(s) dans l’univers graphique envisagé en tenant compte de toutes les données collectées
recueillir les remarques éventuelles pour la suite du travail à fournir.
Suivre des recommandations
Voici une liste de documents ou d’articles traitant de la proposition des solutions graphiques au client :
Il n’est pas toujours possible de défendre son projet de vive voix. Le plan B consiste alors à envoyer le diaporama au client (sous forme de pdf, le plus souvent), en inscrivant les commentaire dans les diapositives, sans oublier les détails pratiques comme vos coordonnées sur chaque diapo, le foliotage des diapositives, etc.
Voici comment procède Balo, un jeune graphiste et youtubeur belge. Sans doute envoie-t-il une loupe virtuelle avec son pdf pour permettre à ses clients de lire ses commentaires 😉
La solution détaillée dans cette vidéo est plus simple à mettre en œuvre qu’un diaporama commentée oralement !
Suivre les conseils d’un pro
➜ Voici ce qu’affirme Jean-Philippe Cabaroc, designer graphique stéphanois, concernant la présentation du design d’un site Web. Les principes énoncés s’appliquent en grande partie pour d’autres produits de communication.
la promesse faite à la cible (les réponses apportées aux attentes de l’utilisateur-trice)
les bénéfices à retirer pour la cible en utilisant le produit
le ton adopté en fonction du contenu, de la cible et du média choisis — Voir le dossier “Communication” surmanager-go.com
la mission du (de la) designer graphique (élaborer une solution centrée sur les attentes de l’utilisateur-trice final-e du produit) — Lire les articles deGeoffrey Dorneet celui deTancrède d’Aspremont Lynden
Il s’agit de présenter l’univers visuel choisi :
planches de tendances (moodboards ou tableaux Pinterest) — Découvrir les alternatives à Polyvore
planches de style (ébauches de planches de marque ou guides de style montrant le parti pris du designer graphique)
planches de recherches manuscrites et assistées numériquement
planches de propositions
Pour terminer, il s’agit de s’assurer que :
l’ (les) interlocuteur-trice(s) a (ont) bien compris ce qui a été énoncé et montré
les remarques effectuées par les participant-ante-s ont bien été collectées
les besoins de l’utilisateur-trice final-e demeurent au centre des travaux de finalisation à venir
La mise en œuvre d’un tel argumentaire relève de la fiction dans le cadre des attendus de la préparation au titre pro Infographiste Metteur en Page. Cet exposé met cependant en relief le niveau de professionnalisme des designers graphiques exerçant depuis de nombreuses années ou ayant suivi des études poussées dans de grandes écoles de design.
Élargir son champ de compétences
L’exercice du métier de designer graphique nécessite des compétences allant bien au delà de la maîtrise des outils de PAO et des méthodes de création graphique. La défense d’un projet de design graphique s’inscrit dans une stratégie marketing touchant à la fois le graphiste et son client. Le lexique utilisé par jean-Philippe Cabaroc est celui des stratèges de la mercatique.
Simplifier sa présentation
➜ Ayant pris connaissance des avis des professionnels du secteur, je vous invite à trouver le moyen le plus adapté pour défendre vos propositions graphiques.
La gamme des réalisations possibles va de la simple planche de proposition (voir les propositions au client, dans le cours sur le design d’un logo) au diaporama détaillé destiné à être commenté oralement face à des décisionnaires expérimentés.
Le facteur temps entre aussi en ligne de compte dans le cadre de la formation suivie au Greta. La finalisation d’un diaporama complet est en effet particulièrement chronophage.
Dans cet exercice, vous allez composer un flyer au format A4 en utilisant la plateforme d’édition en ligne Canva.
Vous allez utiliser une image de fond, une forme structurante et un bloc texte. Vous allez décliner le flyer et créer plusieurs variantes dans le même document, en testant diverses dispositions de la forme structurante et du texte.
Toutes les instructions nécessaires vous sont communiquées sur cette page Web.
Dans cet exercice, vous allez repérer des blocs-dates composés de différentes manière et les collecter dans un tableau Pinterest.
L’ordonnancement visuel des éléments constitutifs d’un texte dans une page doit se faire en tenant compte de la nécessité de produire non pas une seule mise en page mais de nombreuses déclinaisons d’un même message.
Pour simplifier la mise en œuvre de ces déclinaisons sur divers supports ou produits de communication, il est souhaitable de constituer des blocs informatifs dont l’ordonnancement des éléments ne varie pas.
Sur l’image ci-dessus vous pouvez repérer plusieurs éléments typographiques constituant des blocs informatifs dont le bloc-titre et le bloc-date, ainsi que le bloc-url.
Je vous invite à faire un relevé de blocs-dates sur plusieurs documents. Vous allez créer un tableau Pinterest regroupant des flyers, des affiches ou des encarts Web sur lesquels figurent des blocs-dates tous différents.
Ce cours présente une série de schémas de synthèse, conçus dans le but de vous permettre d’avoir un aperçu global de l’ensemble des sujets abordés en formation Com-Créa.
La plupart des schémas présentés mettent en évidence une relation chronologique entre des opération de design graphique. La manière dont ces opérations se succèdent dans la pratique est souvent itérative, c’est à dire qu’une série d’opérations est souvent répétée avant de passer à la suite du processus.
Améliorer une mise en page (niv. 1)
Le cycle éditorial
Le cycle éditorial peut se résumer en 6 étapes désignées chacune par un terme commençant par la lettre P :
Préparation (définition du projet, planification, etc.)
Production de contenus (textes, images, etc.)
Présentation (agencement, mise en page, etc.)
Publication (reproduction, diffusion, etc)
Post-publication (suivi, mise à jour, etc.)
Préservation (archivage, indexation, etc.)
Les opérations de création graphique
Les 2 étapes de la création graphique proprement dite (production de contenus et présentation, entre préparation et publication) se résument en 3 opérations :
Structuration
Stylisation
Composition
Chacune de ces étapes se résume à son tour par une série d’opérations primordiales. La structuration combine 3 opérations clés, la stylisation combine 7 choix (dont 3 choix primordiaux) et la composition combine 3 choix importants (de nombreux autres s’ajoutant à ces derniers).
Le contraste, en phase de composition, peut être remplacé (ou complété) par le choix de l’orientation, du rythme ou des proportions.
Concevoir, présenter et finaliser un logo (niv. 2)
Le brief
Tout projet de communication visuelle commence par un brief. Les lettres BRIEF synthétisent le déroulement de la première étape de tout processus de design graphique :
Brief — questionnement
Recherches — documentation thématique
Information — prise en compte du contexte d’utilisation
Empathie — prise en compte de l’expérience des utilisateurs
Formulation — rédaction d’un cahier des charges précis (avec reformulation des attentes du commanditaire ou du client)
Les étapes de création d’un logo
La création d’un logo suit une série de 8 étapes, du brief à la finalisation de la charte graphique ou de la planche de marque :
Brief (rédaction d’un cahier des charges)
Tendances (réalisation d’une moodboard)
Styles (mise au point d’une planche de synthèse avec nuancier, combo typo, formes, etc.)
Recherches (production d’une planche manuscrite et d’une planche vectorielle)
Propositions (présentation de 3 propositions : 1 sûre, 1 originale et 1 créative)
Validation (acceptation d’une seule proposition ou d’une combinaison de plusieurs propositions)
Déclinaisons (développement d’une véritable identité visuelle)
Charte graphique (livraison d’une planche de marque plus ou moins détaillée)
Un débrief est envisageable en fin de processus.
➜ Dans un contexte de production où il s’agit avant tout de gagner du temps, un processus court est envisageable (fléchage ocre ci-dessus) :
Brief
Recherches
Propositions
Validation
➜ Lors des mises en situation professionnelle ou TP, en fin de niveaux 2 et 3, le processus adopté est le suivant :
Brief
Planche de tendances
Recherches manuscrites et vectorielles
Validation
Planche de marque (charte graphique simplifiée)
Illustrer des produits de communication (niv. 3)
La mise en œuvre d’un projet de communication visuelle (création d’une mascotte, par exemple) suit les mêmes étapes que la création d’un logo. La dernière étape est remplacée par la livraison des éléments attendus pour l’impression ou la publication en ligne.
Les points abordés au niveau 3 dans le cadre d’un projet d’illustration de produits de communication se résument en 3 opérations dont les premières lettres forment l’acronyme MDR :
Modularisation (pour optimiser les déclinaisons)
Développement (pour diversifier les modes de publication)
Rationalisation (pour gagner globalement du temps)
Dans ce cours, vous allez prendre connaissance des principes de l’illustration modulaire, de son potentiel et de ses limites.
Définir l’illustration modulaire
Dans le contexte de l’illustration et du graphisme, le principe de modularité correspond à la possibilité d’assembler des éléments graphiques simples (nommés modules) pour construire une image.
Illustration modulaire ornementale
Dans une approche ornementale, le module graphique est une forme simple, souvent géométrique, facile à juxtaposer dans les 2 dimensions du plan. Le plus souvent, le module s’inscrit dans un carré. Il peut cependant facilement s’inscrire dans un hexagone ou un triangle.
L’illustration modulaire ornementale n’est pas nécessairement répétitive, comme le sont les textures formées de motifs juxtaposés et répétés à l’infini.
Le dessin d’un module ornemental peut être abstrait ou figuratif. Sur la capture d’écran ci-dessous, la première composition est un assemblage de d’éléments figuratifs évoquant la nature.
Illustration modulaire ornementale programmée
Le principe de construction modulaire est facilement programmable. Il existe donc des applications permettant de construire automatiquement des images modulaires ornementales.
PatternPad permet de personnaliser de nombreux paramètres, même si la composition finale est mise au point de manière aléatoire. Cette application autorise le paramètrage de pourcentage d’occupation des motifs dans l’espace de composition. Les compositions sont exportables au format SVG (exploitable avec Adobe Illustrator).
Couverture aléatoire de motifs sur 50% de la grille de composition
Illustration modulaire figurative
Une illustration modulaire figurative ne s’inscrit pas nécessairement dans une grille. Les modules à assembler sont juxtaposés ou superposés pour former l’image voulue.
Personnages modulaires
Tous les personnages ci-dessous sont composés d’éléments modulables, à la manière des 2 personnages ci-dessus.
Source : https://www.humaaans.com/
On trouve de nombreuses ressources en ligne pour assembler des éléments dessinés en vue de composer des illustrations adaptées à différents besoins graphiques.
La composition par assemblage de modules permet, en remplissant certaines conditions, de simuler un espace en 3 dimensions. C’est notamment le cas de l’illustration isométrique dont le potentiel a été pleinement utilisé dans le secteur des jeux vidéos.
Faire varier le style d’une illustration modulaire
À partir du moment où vous disposez des éléments modulables avec lesquels vous envisagez de composer vos illustrations, vous pouvez faire varier le style de vos illustrations en jouant sur de nombreux paramètres.
Faire varier la surface et le trait
Des surfaces vectorielles pleines se transforment très facilement en formes linéaires dotées d’un contour. Cette simple opération modifie totalement la perception d’une image.
➜ En réduisant le nombre des couleurs et en alternant zones pleines et zones vides avec contours, on obtient des images différentes dont l’impact est souvent plus fort.
Les contours vectoriels sont stylisables et les surfaces peuvent être texturées ou ornées de motifs. L’utilisation d’un nombre de couleurs restreint renforce l’impact visuel et les contrastes d’une image.
Compositions modulaires en 2 couleurs (dont certaines avec dégradé linéaire)
Compositions modulaires texturées
Faire varier les contrastes
Une image modulaire est riche des contrastes qui l’animent. Dans l’illustration ci-dessus vous pouvez repérer plusieurs contrastes :
foncé (obscur) vs clair (lumineux)
coloré vs non-coloré
texturé (varié) vs non-texturé (uniforme)
grand vs petit
ligne vs point
surface vs trait
gras (épais) vs maigre (fin)
séparé vs associé
orthogonal vs incliné
rectiligne vs courbe
terrestre (lourd) vs aérien (léger)
etc.
➜ Je vous propose d’utiliser une check-liste interactive pour lister tous les contrastes utilisables en composition visuelle.
Voir des applications pour des identités visuelles
Le site multimedialab.be propose un cours sur modularité et identité graphique où est analysé l’aspect modulaire d’une ancienne charte graphique mise au point pour Arte
Dans ce court article (cours-article…), je voudrais partager avec vous quelques ressources particulièrement pertinentes concernant le travail de designer graphique.
Vous allez devoir, au cours du TP final PAO-Com-Créa, réaliser un logo puis l’intégrer dans plusieurs produits de communication. Ce qui a été vu au niveau 1 est plus que jamais d’actualité. À cela s’ajoute, en communication créative, la méthode de design graphiqueque vous avez eu l’occasion de mettre en pratique au cours du niveau 2.
Les 10 règles de base
Pour ancrer tout cela dans la réalité professionnelle du métier auquel vous êtes en train de vous former, je vous invite à visionner cette vidéo de Balo (prenez des notes) :
➜ Après avoir visionné cette vidéo, je vous invite à lister de mémoire les 10 point commentés dans cette première vidéo (en masquant vos notes si vous en avez prises…).
Le design de logo
Balo est un graphiste complet et le design de logo est l’une de ses activités phares. Il propose donc plusieurs vidéos sur le sujet dont une série de 4 vidéos au cours desquels Balo nous invite à voir comment il a réalisé l’identité visuelle d’un restaurant.
Vous retrouverez des étapes vues en cours, avec des adaptations propres à la manière dont Balo travaille. D’autres étapes, comme l’arbre thématique ou la planche de style sont absentes… et vous verrez que passer par là lui aurait sans doute évité quelques déconvenues.
➜ Brief, documentation et moodboard
Tout commence assez bien et même si le cahier des charges se résume à une todo list… On pourrait penser que tout va fonctionner à merveille !
➜ Recherches manuscrites, vectorisation, illustration et préparation de la présentation au client
Balo a voulu aller trop vite : pas de planche de style validée préalablement, l’enthousiasme graphique l’emporte sur le questionnement et l’analyse des attentes du client et du contexte concurrentiel dans lequel doit s’insérer le logo attendu… Ses premières propositions (qui pourtant lui plaisaient beaucoup) sont refusées !
➜ Rebond et nouvelles propositions au client
Cette fois les choses sont menées plus rigoureusement et on retrouve des propositions mieux structurées avec présentation des typos et des nuanciers utilisés…
➜ Finalisation de la version définitive et début de l’intégration sur la papeterie
Les choses avancent bien et Balo prépare le 5e épisode avec la déclinaison de l’identité visuelle sur les produits de communication du restaurant.
➜ Les maquettes du menu et du site Web
L’identité visuelle se concrétise mais le contexte sanitaire ralentit dramatiquement le suivi du projet. On découvre avec intérêt Adobe XD pour le maquettage du site Web.
Pour vous permettre de mettre en pratique le contenu du cours de com-créa sur la création de logos, je vous propose quatre cahiers des charges.
Basés sur des contextes de communication d’entreprise tout à fait réalistes, ces cahiers des charges posent les bases des attendus de quatre clients fictifs. Toutes les entreprises concernées sont en Auvergne.
Après avoir réalisé le logo de l’entreprise de votre choix, vous aurez à concevoir la papeterie d’entreprise : tête de lettre, tête de fax, carte de correspondance, carte de visite, enveloppe à fenêtre, etc. Il s’agit d’un élément clé de l’identité visuelle et vous aurez besoin de renseignement précis sur les mentions à faire figurer sur la papeterie d’entreprise.
Au cours de ce TD, nous allons réaliser la mise en page d’une affiche inspirée du modernismeinternational et utilisant 4 couleurs maximum. Le nuancier utilisé devra être fonctionnel et construit à partir d’un nuancier en niveaux de gris étagés.
➜ Ce TD se déroule en 5 étapes et chacun est invité à suivre scrupuleusement ce déroulé.
Étape 1 :effectuer des recherches sur Pinterest pour repérer des affiches composées dans le style du modernisme international.
Étape 2 :constituer un tableau Pinterest pour collecter les affiches repérées précédemment et utilisant un nuancier fonctionnel de 4 couleurs maximum.
Étape 3 :déterminer la couleur dominante à utiliser pour composer une affiche sur le thème de la pièce de Shakespeare “Le roi Lear”.
Étape 4 :construire un nuancier fonctionnel de 2, 3 ou 4 couleurs en utilisant l’application en ligne Coolors.
Étape 5 :composer l’affiche en suivant un des modèles collectés et en utilisant le nuancier fonctionnel construit précédemment.
Étape 1 :effectuer des recherches sur Pinterest
Pinterest est une source d’inspiration particulièrement riche en matière de design graphique. Pour le travail à réaliser, vous disposer d’une direction artistique précise : le style de l’affiche doit se rapporter clairement au courant graphique nommé modernisme international. Ce style est aussi appelé style graphique international ou style suisse ou encore modernisme suisse.
➜ Il s’agit de “convertir” cette directive en collecte d’éléments visuels susceptibles de constituer ultérieurement une planche de tendances (moodboard).
Rechercher par les noms du style
Vous devez être inscrits sur Pinterest et disposer d’un compte pour pouvoir effectuer les recherches proposées.
Voici des intitulés de recherche à utiliser :
modernism graphic poster
modernism graphic design
modernism graphic design poster
swiss modernist graphic design
international style graphic design
Des recherches sur le modernisme américain ne vous éloigneront pas trop du sujet. Il convient cependant de bien préciser “graphic design” !
american modernism graphic design
Sans les précisions sur le caractère suisse ou international du style recherché, vous pouvez accéder dans un premier temps à des images d’un autre style, antérieur à celui qui nous intéresse dans ce TD. Nommé aussi “modernisme” en français, ce style concerne les années charnières entre XIXe et XXe siècle, en Europe et particulièrement en Catalogne (voir le site dosde.com concernant le modernisme catalan).
Rechercher par le nom des designers
Certains designers graphiques sont devenus des figures emblématiques du modernisme suisse ou américain. Voici quelques noms de designers dont le travail est représentatif du style moderniste international :
Sur Pinterest, rajoutez “design” après le nom des designers, pour mieux cibler les productions de ces grands noms du design graphique moderniste.
Caractériser le style du modernisme international
➜ Vous commencez à voir de quoi il s’agit et je vous invite à formuler les grandes caractéristiques du modernisme suisse et international. Les sites mentionnés un peu plus bas vous apporteront des éléments de réponse.
Pour vous aider, je vous propose d’utiliser cette grille de détermination. Téléchargez et imprimez le gabarit mis en ligne au format pdf (… ou imprimez l’image ci-dessus).
Les zones intitulées “inutilisables” vous permettent de caractériser le style par ce qu’il n’est pas. Ces caractéristiques négatives vont vous servir de repoussoir dans la suite de votre travail.
Pinterest n’est pas la seule source documentaire sur les styles graphiques. Si vous souhaitez en savoir davantage sur le modernisme, voici une liste de “bonnes adresses” :
Google images est une excellente source de documentation graphique. En utilisant des opérateurs booléens dans la requête effectuée vous pouvez préciser les résultats de votre recherche. Essayer la requête suivante : modernism AND graphism (avec ou sans “e” à la fin de “modernisme” et “graphisme”).
➜ Les résultats de recherche sur Google Images peuvent être archivées sous forme de capture d’écrans globales, en utilisant l’extension GoFullPage.
Étape 2 : créer un tableau Pinterest sur le modernisme international
Un tableau Pinterest consacré à un style graphique clairement identifié est une véritable planche de tendances. Cette planche (en l’occurence ce tableau…) est disponible en ligne pour cadrer votre travail sur tous les projets s’appuyant sur le style choisi.
➜ Pour ce TD 2 direction supplémentaires vous a été communiquées : l’affiche doit se limiter à 4 couleurset le nuancier doit nécessairement être fonctionel.
Comme les affiches créées dans cette mouvance utilisent rarement plus de 4 couleurs, vous disposez d’un très large choix ! Il est donc inutile de collecter des affiches utilisant 5 couleurs ou davantage. Il est également inutile de collecter des affiches sur lesquelles le nuancier n’a pas besoin d’être fonctionnel.
Je vous demande d’utiliser Pinterest pour plusieurs raisons :
Pinterest est d’abord un moteur de recherche et non un réseau social
Il est possible de désactiver toutes les notifications envoyées par défaut
Pinterest contient des tableaux très pertinents
Pinterest est un excellent outil de curation de contenu (et cette discipline est au programme du titre professionnel que vous envisagez de valider…)
Vous aurez besoin de Pinterest dans la suite de la formation Com-Créa
Des précisions sur l’usage de Pinterest pour élargir vos recherches vous sont données sur studiobenziv.wordpress.com.
Sur Pinterest, épingler sur son propre tableau des images épinglées sur les tableaux des autres est une pratique courante… C’est même une pratique vivement encouragée !
➜ Je vous invite à explorer les tableaux de emiliofr pour y trouver un tableau intitulé “Gráfica Suiza. Estilo Tipográfico Internacional”… eh oui, c’est en espagnol, mais il s’agit bien du style suisse international (avec quelques affiches moins neutres et plus expressives que d’autres)…
Étape 3 : le modèle de l’affiche à réaliser
L’affiche à composer porte sur la pièce de William Shakespeare intitulée Le roi Lear.
Le texte de l’affiche est le suivant :
Le roi Lear, de William Shakespeare, par le Théâtre Tanit. Scénographie et mise en scène :Éric Louviot. Du 12 au 17 avril 2021, Théâtre Espace 44, 44 rue Burleau 69001 Lyon.
➜ Doivent figurer sur l’affiche, le logo du Théâtre Tanit, le logo du Théâtre Espace 44, le logo de la ville de Lyon, le logo de la région Auvergne Rhône-Alpes et le logo Scène Découvertes Lyon.
Je vous invite à travailler sur un format A4 (210 x 297 mm), orientation portrait. Vous finaliserez votre travail dans InDesign.
Vous pouvez voir des affiches de pièces de théâtre de Shakerspeare sur le site pixelcreation.fr
Vous pouvez prendre connaissance d’un résumé de la pièce, sur un site au design plutôt… rétro 😉
Parmi les images collectées sur Pinterest, vous devez choisir un modèle d’affiche. Votre composition finale devra suivre ce modèle de très près.
Vous devez dons choisir ce modèle parmi des affiches de style suisse international. Ne prenez pas comme modèle des affiches de théâtre traitées dans un autre style.
Étape 4 : construire un nuancier fonctionnel
➜ En fonction des informations transmises plus haut (nature de l’événement, nom, date, lieu, etc.) et du style imposé par la direction artistique, choisissez les couleurs de la première l’affiche à réaliser. Construisez un nuancier fonctionnel de 2, 3 ou 4 couleurs.
➜ Le nombre de couleurs du nuancier sera déterminé par le modèle que vous avez choisi pour composer votre affiche.
Vous pouvez exporter le nuancier construit dans Coolors au format ASE pour l’importer ensuite dans Illustrator, InDesign ou Photoshop.
Étape 5 : composer la maquette de l’affiche en suivant le modèle choisi
D’une manière générale, le modernisme international utilise plutôt des polices de caractères sans-serif. Analyser les formes typographiques utilisées dans le modèle que vous avez choisi. Ne cherchez pas à innover, adaptez le texte fourni à la mise en page du modèle en utilisant le même système hiérarchique.
Si votre modèle comprend une image photographique, préparez votre photo en respectant le traitement stylistiquedu modèle de composition. Le modernisme suisse, particulièrement à ses début privilégie le traitement de l’image en niveaux de gris.
Si vous devez réaliser une illustration, figurative ou abstraite restez dans le style imposé. Utilisez des formes simples et si possibles géométriques. Évitez tout recours à des artifices décoratifs, des contours, des ombres portées, des effets de biseaux, etc.
Créer des variantes de l’affiche
En utilisant un nuancier fonctionnel, il est très facile de créer des variantes de votre composition. Pour cela, il faut avoir réalisé sa maquette de manière réversible. Ce point doit devenir un facteur essentiel de votre design graphique.
Changer la couleur dominante
Changer d’abord la couleur dominante (généralement celle du fond) vous amènera à voir votre travail sous un aspect très différent. Il vous faudra bien sûr redistribuer les autres couleurs pour éviter les superpositions de texte et de fond de la même couleur.
Ce type de manipulation permet de ne pas se focaliser sur une première version trop vite considérée comme satisfaisante. Il est vrai qu’en ayant consacré beaucoup de temps à son élaboration on a tendance à valider ce premier jet sans envisager d’aller plus loin.
➜ Sauvegardez la première version réalisée et créez les variantes sur une nouvelle page ou dans un nouveau document. Toutes les versions (déclinaisons) créées doivent pouvoir être montrées (exportées) facilement.
L’utilisation d’un nuancier fonctionnel prend ici tout son sens.
Changer de nuancier (mais conserver l’étagement)
Vous pouvez même envisager de conserver la même composition et de changer de nuancier (et donc de couleurs).
➜ Tentez l’expérience en veillant à utiliser un second nuancier dont les valeurs des couleurs sont étagées sur les mêmes ratios de contraste.
